El Grupo Bloomsbury, re

Influyente: una colección de moda masculina de Dior con una reconstrucción de Charleston © Brett Lloyd

Todos usamos nuestra vestimenta para enviar mensajes a menudo contradictorios, y los artistas no son una excepción. Desde los autorretratos con múltiples disfraces de Rembrandt hasta los vestidos de tehuana de Frida Kahlo, la relación de los artistas con su ropa siempre ha sido especialmente complicada.

Y nadie ha trazado más de cerca la relación entre los artistas y la ropa que quizás el escritor, crítico de moda y curador Charlie Porter. Su primer libro, What Artists Wear (2021), se centró en las elecciones de vestimenta de los artistas modernos y contemporáneos para explicar cómo las prendas pueden convertirse en potentes herramientas de expresión por derecho propio.

Ahora Porter ha puesto su mirada en el Grupo Bloomsbury, ese grupo de artistas e intelectuales británicos de principios del siglo XX que incluía a la escritora Virginia Woolf y su hermana artista Vanessa Bell, el artista Duncan Grant, el economista John Maynard Keynes y el escritor EM. Forster. Este colectivo cultural altamente influyente ha estado envuelto en muchos mitos, conceptos erróneos y esnobismo, tanto durante su vida como por parte de las generaciones posteriores, quienes a menudo se han esforzado por oscurecer sus experiencias de queer y su autoexpresión, así como algunas de sus actitudes menos atractivas. hacia la raza, la clase y el privilegio.

Tim Walker, Jinetes Rebeldes, en Charleston, 2015

Porter lucha y deshace todo lo anterior en Bring No Clothes: Bloomsbury and the Philosophy of Fashion, un nuevo libro y exposición que reexamina al grupo a través del prisma de sus prendas. Recíprocamente, también muestra cómo diseñadores contemporáneos como Kim Jones y Rei Kawakubo se han inspirado en las ideas y el arte radicales del grupo en lugar del “aspecto” más superficial de Bloomsbury adoptado por los fabricantes de gamas de pintura en colores pastel y telas suaves para muebles.

Entre los aspectos más destacados de la muestra se encuentra la yuxtaposición de las obras de Grant con las prendas que han inspirado, como su abstracto Lilypond Screen ahora puesto en movimiento en una chaqueta Jones para Dior, o la forma en que la identidad cambiante del protagonista en Orlando de Woolf encuentra expresión. en la erupción de volantes blancos de Kawakubo que brotan de un caparazón de estricta sastrería negra.

En 1920, Woolf invitó a su colega escritor TS Eliot a pasar un fin de semana en el campo y le indicó que "por favor, no traiga ropa". Ella no estaba sugiriendo que apareciera desnudo (aunque había mucho desnudo entre el grupo), sino que Eliot no tendría que observar las sofocantes convenciones de vestimenta que aún mantenían a las clases media y alta británica bajo control absoluto. Tanto en este libro como en la exposición, Porter demuestra cómo la forma en que Woolf, Bell y compañía pensaban y usaban su ropa fue una parte clave de su revuelta intelectual (y sexual) contra la sociedad victoriana tardía en la que habían nacido.

Pero es complicado. Woolf odiaba la moda pero estaba fascinado por la ropa. Mientras que la mecenas de Bloomsbury, Ottoline Morrell, vestía ropas cada vez más exageradas para crear su propio look de una manera que sus compañeros admiraban y burlaban al mismo tiempo.

Porter ofrece una mirada contemporánea sin pestañear mientras se sumerge en el alcance de lo queer y la subversión del grupo, pero tampoco palidece ante algunas de sus menos que sabrosas escapadas, como vestirse como potentados africanos o los sujetos de Paul Gauguin. También señala la ironía de que sus filosofías de vida libre y buena estuvieran sustentadas por el trabajo de sus sirvientes domésticos. Pero estas anomalías se sitúan en el contexto de una época pasada problemática y no se les permite borrar los logros de estos pioneros sexuales e intelectuales.

Retrato de John Maynard Keynes de Duncan Grant (alrededor de 1917)

Al deshacerse de sus corsés eduardianos por prendas fluidas, a menudo hechas a mano y ampliamente reparadas, las mujeres de Bloomsbury estaban señalando su experimentación sexual y creativa. El aflojamiento del corsé por parte de Woolf reflejó tanto el florecimiento de su carácter queer como su escritura rompedora de formatos. Y la línea liberada de prendas hechas a mano de Vanessa Bell y sus violentas combinaciones de colores (“casi me arrancan los ojos de las órbitas”, observó Woolf en 1916) también encontraron expresión en diseños vívidos y abstractos de alfombras y telas para Omega Press, así como en sus lienzos.

Asimismo, los hombres afrontaron la tensión de la sastrería de diversas maneras. Autorretratos y fotografías descarriados de Grant revelan que su ropa está en constante estado de desmoronamiento, o simplemente no está allí en absoluto. Maynard Keynes abrazó y jugó con el poder del traje: un delicioso retrato de su entonces amante Grant lo muestra formalmente vestido y trabajando en teorías matemáticas mientras luce un atrevido par de zapatos de charol.

Porter no sólo ha redefinido y reiniciado Bloomsbury como precursor de la fluidez contemporánea sino que, en el verdadero espíritu de Bloomsbury, también deja de lado las nociones convencionales de belleza y probidad. Una de mis exhibiciones favoritas son dos cigarrillos sacados del bolsillo de los pantalones exageradamente varoniles (pero bellamente hechos a mano) de Morrell.

Es apropiado que esta exposición no se celebre en Charleston, la granja de Sussex que se ha convertido en un santuario de Bloomsbury, sino que inaugure el nuevo puesto avanzado de Charleston en un antiguo edificio de la Oficina de Atención al Ciudadano de los años 1930 en el centro de Lewes. En este entorno minimalista, el arte, la vida y la ropa de Bloomsbury cobran nueva vida y relevancia.

• No traer ropa: Bloomsbury y Fashion; Charleston en Lewes, hasta el 7 de enero de 2024

• Bring No Clothes: Bloomsbury and the Philosophy of Fashion, publicado por Penguin, £20 el 7 de septiembre, £20